Fitti Encanta no Queremos! Festival ao Reviver Ney Matogrosso com Performance Teatral e Singular O segundo dia da sétima edição do Queremos! Festival, no Rio de Janeiro, foi marcado por uma apresentação memorável de Fitti. O artista pernambucano subiu ao palco do Teatro Carlos Gomes para interpretar o repertório de Ney Matogrosso, conquistando o público com uma performance irretocável e cheia de originalidade. Fitti, cantor, compositor e ator recifense, demonstrou profundo respeito pela essência artística de Ney Matogrosso, que em agosto completará 85 anos. Longe de ser uma mera imitação, o show “Fitti canta Ney” propôs uma releitura singular das 16 canções escolhidas, reafirmando a identidade de Fitti e celebrando a liberdade que sempre permeou a vida e obra do ícone da música brasileira. A concepção do espetáculo, idealizada por Marcus Preto, diretor artístico do álbum e do show, trouxe uma teatralidade marcante, complementada pela potente sonoridade orquestrada sob a direção musical de Pupillo. A banda, formada ainda por Yuri Queiroga, Vinicius Furquim e Vic Vilandez, criou a atmosfera perfeita para a apresentação, conforme divulgado pela fonte do conteúdo. Energia Rockeira e Teatralidade Ritualística no Palco O clima do show foi estabelecido com sons de chuva e trovoadas, preparando o terreno para a entrada de Fitti ao som de “Homem de Neanderthal”. A energia roqueira impulsionou os momentos iniciais, com canções como “Tem gente com fome” e “Flores astrais”, mostrando a força da interpretação de Fitti, que utilizou tanto a voz quanto o corpo para dar vida às músicas. A performance de Fitti evoluiu para uma dominação da cena, caracterizando-se como o “cara meio estranho” mencionado em “Bandido corazón”. Esta música, com seu sotaque latino, marcou uma transição no espetáculo, guiando o público para novas atmosferas e climas, demonstrando a versatilidade do artista. O sentido político de “O patrão nosso de cada dia” foi realçado em um número minimalista, com a guitarra precisa de Yuri Queiroga. A teatralidade se tornou quase ritualística em “Bandolero”, onde Fitti manteve o controle do palco, mesmo ao incentivar o canto da plateia em “Sangue latino” ou ao descer para interagir com o público durante “Seu tipo”. Releituras Afetuosas e Celebração da Identidade A introspecção poética de “Viajante”, interpretada por Fitti em uma cadeira central, intensificou a carga lírica do show. Uma ideia particularmente sagaz foi a adaptação de “Dívidas de amor”, parceria de Leoni e Ney Matogrosso, para o universo do brega pernambucano, destacando Ney como compositor. A música “Dívidas de amor” integra o álbum “Bugre” (1986), lançado há 40 anos como uma tentativa de renovação na carreira de Ney. Nesse mesmo álbum, Ney revisitou “Balada do louco”, dos Mutantes, que Fitti trouxe com uma delicadeza envolvente, acompanhado pelos teclados de Vinicius Furquim. Ao ressignificar “Homem com H”, Fitti, como homem trans, trouxe uma nova perspectiva a este clássico forrozeiro, originalmente lançado pelo trio Os 3 do Nordeste e eternizado por Ney Matogrosso em 1981. A plateia presente na estreia carioca do show “Fitti canta Ney” já tinha a certeza de estar diante de

Fãs do BTS protestam em shopping de SP contra pré-reserva online obrigatória para ingressos Uma manifestação agitou o Shopping Ibirapuera, na Zona Sul de São Paulo, no último domingo (5). Fãs do fenômeno do K-pop BTS se reuniram em frente à bilheteria de ingressos para protestar contra a exigência de uma pré-reserva online obrigatória, implementada pela Ticketmaster Brasil para a compra presencial de entradas da aguardada “BTS World Tour”. A nova regra, que entrou em vigor no sábado (4), obriga os interessados em adquirir ingressos na bilheteria física a realizarem um cadastro digital no dia anterior. A medida gerou insatisfação entre os fãs, que a consideram uma barreira indevida para o acesso aos ingressos, especialmente para aqueles que preferem ou necessitam comprar presencialmente. A mobilização dos fãs foi motivada por reclamações formalizadas junto ao Procon-SP. No documento enviado ao órgão de defesa do consumidor, os admiradores do grupo sul-coreano argumentam que a pré-reserva, como requisito para o atendimento presencial, configura uma “restrição indevida” e pode ser caracterizada como prática abusiva. A expectativa é que o Procon avalie a legalidade do procedimento e garanta o acesso à bilheteria sem a imposição de etapas digitais compulsórias, conforme apurado pelo g1. Ticketmaster defende sistema para organizar filas e combater cambismo Em resposta às críticas, a Ticketmaster Brasil informou que a pré-reserva online obrigatória tem como objetivo principal organizar o atendimento presencial nas bilheterias e coibir a ação de cambistas. Segundo a empresa, o processo visa garantir um fluxo mais ordenado e seguro para todos os consumidores. O funcionamento da pré-reserva é detalhado pela Ticketmaster: um dia antes da abertura das vendas presenciais, às 16h, uma página de cadastro é liberada na plataforma. Os fãs precisam ter uma conta ativa, entrar em uma fila virtual e selecionar o tipo e a quantidade de ingressos desejados. Ao final, recebem um QR Code pessoal e intransferível, que deve ser apresentado na bilheteria no dia seguinte para efetuar o pagamento, que é feito exclusivamente no local, sem taxa de serviço. Cada CPF pode reservar até quatro ingressos, sendo no máximo dois de meia-entrada. O cronograma da pré-reserva é dividido por datas de show e etapas de venda, buscando otimizar o acesso para diferentes grupos de fãs, como os membros do ARMY, o fã-clube oficial, que têm prioridade em pré-vendas específicas. A Ticketmaster não respondeu diretamente às perguntas do g1 até o fechamento desta reportagem. Procon-SP considera pré-reserva não abusiva, mas reforça dever de informação O Procon-SP se manifestou sobre a questão, afirmando que a pré-reserva online, por si só, não configura uma prática abusiva. O órgão de defesa do consumidor entende que a medida pode ser válida sob a ótica da segurança do consumidor, visando mitigar riscos de aglomerações e filas prolongadas, especialmente em logradouros públicos. Em nota, o Procon-SP declarou que, ao organizar o fluxo de consumidores, o fornecedor cumpre seu dever de garantir um ambiente de consumo seguro, prevenindo incidentes e preservando a integridade física dos cidadãos. No entanto, o órgão reforça a importância de

Zeca Veloso expande seu universo musical em show “Boas Novas”, misturando composições próprias com homenagens a ícones da MPB e trilhas sonoras de desenhos animados. Na noite de 4 de abril, o cantor e compositor Zeca Veloso fez uma estreia marcante com seu novo show, “Boas Novas”, na abertura da sétima edição do Queremos! Festival, no Rio de Janeiro. Apesar de uma fama de tímido, o artista demonstrou uma presença de palco envolvente, cativando o público no Teatro Carlos Gomes. O repertório mesclou faixas do seu recém-lançado álbum, “Boas Novas” (2025), com interpretações de canções de grandes nomes da música brasileira e internacional. O show, que contou com uma big band, celebrou a influência familiar e a versatilidade de Zeca como músico. A apresentação, que lotou o teatro, foi um marco na carreira solo de Zeca Veloso, impulsionada desde o final de 2023 com apresentações intimistas e agora expandida para um formato maior e mais elaborado. Conforme informação divulgada, o show “Boas Novas” no Queremos! Festival foi o primeiro com uma big band, reforçando a ambição artística do cantor. Da Herança Familiar às Novas Composições Zeca Veloso iniciou a noite homenageando o pai, Caetano Veloso, com a canção “Peter Gast” (1983), exibindo o característico falsete que já havia encantado o público no show “Ofertório” (2017), ao lado dos irmãos Moreno e Tom Veloso. Essa participação familiar foi o catalisador para o início de sua carreira solo. O álbum “Boas Novas”, gestado desde 2018 e lançado em novembro de 2025, foi a base do show. Músicas como “Salvador”, já apontada como um possível hit, e “Máquina do Rio”, um pop-funk-samba que evoca os arranjos de Lincoln Olivetti, mostraram a força das composições autorais de Zeca. Surpresas e Homenagens Emocionantes A noite foi marcada por convidados especiais e surpresas. O rapper Xamã participou de “Máquina do Rio”, adicionando um elemento de rap à música. Dora Morelenbaum também subiu ao palco para reproduzir o dueto de “A carta” (2025), presente no álbum. A balada bilíngue “Carolina” (2025), com seu arranjo sacral e a interpretação emotiva de Zeca, foi um dos pontos altos. O artista também demonstrou sua habilidade em transitar por diferentes gêneros musicais, incluindo sambas icônicos. Um Passeio Pelos Clássicos da MPB O show de Zeca Veloso foi um verdadeiro mergulho na história da música brasileira. Sambas de Noel Rosa, como “Não tem tradução” (1933), foram relembrados, dialogando com a temática de “Desenho de animação” (2025), que aborda cinema e paixões dubladas. A reverência a Tom Jobim se fez presente com uma interpretação de “Garota de Ipanema” (1962), um clássico da bossa nova carioca. Tim Maia foi homenageado com “Réu confesso” (1973), mostrando a versatilidade de Zeca no samba-soul. Paulo Vanzolini, com “Volta por cima” (1962), também teve seu espaço, assim como o samba autoral “O sal desse chão” (2025), com Xande de Pilares. Uma grata surpresa foi a interpretação de “Colors of the wind”, tema do filme “Pocahontas” (1995), que caiu muito bem na voz expressiva de Zeca. Presença de Palco

Alvin L, compositor essencial para o pop brasileiro e parceiro de Dinho Ouro Preto e Marina Lima, faleceu neste domingo de Páscoa, aos 67 anos, no Rio de Janeiro. A notícia de sua partida, vítima de um ataque cardíaco enquanto dormia, abalou o cenário musical. O velório e a cremação ocorrerão nesta segunda-feira, 6 de abril, no Memorial do Carmo. Arnaldo José Lima Santos, conhecido artisticamente como Alvin L, deixa um legado de composições marcantes que atravessaram gerações e colaborações fundamentais com grandes nomes da música brasileira. Sua trajetória, iniciada em Salvador e consolidada no Rio de Janeiro, o transformou em uma figura respeitada e influente no universo pop nacional. Desde os anos 70, Alvin L transitou por diversas bandas e projetos, sempre com um olhar atento às novas sonoridades e à poesia em suas letras. Sua habilidade como guitarrista e compositor o levou a parcerias que definiram carreiras e moldaram o som de artistas consagrados. Conforme informação divulgada pelo jornalista e crítico musical, Alvin L não buscava os holofotes, mas sua obra ressoa com força. Seu único álbum solo, “Alvin” (1997), produzido por Liminha, é um reflexo de sua genialidade e versatilidade. Uma Parceria de Sucesso com Marina Lima A colaboração de Alvin L com Marina Lima rendeu frutos memoráveis. Em 1991, a cantora incluiu em seu álbum homônimo a balada “Não Sei Dançar”, uma composição de Alvin que se tornou um dos pontos altos de sua carreira. A parceria se fortaleceu com músicas como “Deve Ser Assim” (1993), “Stromboli” e, posteriormente, “Na Minha Mão” (1998), “A Não Ser Você” (2003), “Motim” e “Kilimanjaro” (ambas de 2021). O Domínio das Parcerias com Dinho Ouro Preto e Capital Inicial No cenário do rock brasileiro, Alvin L firmou-se como um parceiro indispensável para Dinho Ouro Preto e o Capital Inicial. A partir dos anos 2000, sua contribuição foi crucial para a revitalização da banda, com composições que se tornaram hinos. Músicas como “Natasha” e “Eu Vou Estar”, presentes no “Acústico MTV” (2000), e o hit “Tudo Que Vai” (com Dado Villa-Lobos e Toni Platão) são exemplos do sucesso dessa união criativa. Essa colaboração duradoura se estendeu até o EP “Movimento” (2025), demonstrando a força e a longevidade da parceria entre Alvin L e Dinho Ouro Preto. A influência de Alvin no repertório do Capital Inicial é inegável, solidificando seu papel no pop nacional. Contribuições Essenciais em Bandas Icônicas Além de suas colaborações individuais, Alvin L teve passagens significativas por bandas importantes da cena alternativa. Ele integrou grupos como Vândalos, Rapazes da Vida Fácil, Brasil Palace e, notavelmente, os Sex Beatles, com os quais gravou os álbuns “Automobilia” (1994) e “Mondo Passionale” (1995), este último com faixas como “Eu Nunca Te Amei Idiota”. Sua atuação nesses projetos enriqueceu o panorama do rock independente brasileiro. Um Legado Duradouro no Pop Brasileiro Nascido em Salvador e radicado no Rio de Janeiro, Alvin L construiu uma carreira sólida sem a necessidade de um estrelato ostensivo. Sua obra, marcada pela **sensibilidade lírica** e pela **inovação musical**,

Por que o suspense e a antecipação do mal nos fascinam tanto quanto o terror em si? Entenda a psicologia por trás do sucesso de “Algo Horrível Vai Acontecer”. A minissérie “Algo Horrível Vai Acontecer” conquistou o público brasileiro na Netflix, figurando entre as mais assistidas. Seu título, que entrega a premissa desde o início, é um dos segredos de seu sucesso. A audiência, assim como a protagonista Rachel, sabe que algo terrível está por vir, e a expectativa para descobrir o quê e como se torna um vício. A trama acompanha Rachel, noiva de Nicky, em uma visita à família dele em um sítio isolado. Ao conhecer os sogros, ela percebe que algo está profundamente errado, gerando um mau pressentimento que a série consegue transmitir com maestria para quem assiste. O grande trunfo de “Algo Horrível Vai Acontecer” reside no suspense, equilibrando a tensão e a expectativa com pequenas pistas sobre o desfecho. Essa dinâmica, segundo informações divulgadas, é uma tática clássica do gênero de terror que funciona perfeitamente. Alfred Hitchcock, um mestre do suspense, já dizia: “Não há terror no estrondo, apenas na antecipação dele”. Essa antecipação, explorando o medo do desconhecido, mantém o espectador em alerta constante. O Poder da Imaginação no Medo O medo é uma experiência profundamente pessoal, e o que assusta uma pessoa pode não ter o mesmo efeito em outra. Quando o “monstro” ou a ameaça é finalmente revelada em um filme de terror, ele pode se mostrar menos aterrorizante do que o imaginado. Jordan Peele, diretor de “Nós” e “Corra”, comentou sobre essa dinâmica, afirmando que a revelação do monstro pode ser decepcionante, pois sua força está naquilo que a mente do espectador cria. É por isso que a mente humana, ao preencher as lacunas do desconhecido, pode conjurar horrores muito mais intensos. O medo do escuro, por exemplo, é amplificado pela falta de visão, permitindo que nossos próprios pesadelos ganhem forma. Filmes como “A Bruxa de Blair” exemplificam essa técnica, onde a falta de revelação completa do que está acontecendo é o que torna a experiência tão assustadora. Técnicas Clássicas para Criar Ansiedade Duradoura Para manter o público engajado e ansioso até o final, “Algo Horrível Vai Acontecer” emprega táticas consagradas no terror. Essas estratégias, herdadas de mestres como Hitchcock e Stephen King, visam esticar a tensão e manipular as emoções. Uma das técnicas é colocar o público na posição de “voyeur”. Movimentos de câmera que simulam o olhar de alguém, acompanhados de sons como passos e suspiros, criam a sensação de que a protagonista está sendo constantemente vigiada, intensificando a tensão. A série também explora a mistura do nojento com o inexplicável. Elementos visuais como sangue e corpos de animais provocam repulsa, uma reação similar ao medo, impulsionando o desejo de fugir do perigo iminente. O jogo de esconder e revelar é outro ponto forte. A série oferece pistas, algumas enganosas, sobre a natureza do mal que se aproxima. Essa dosagem de informação mantém o mistério e incentiva o espectador

Chaiany deixa o BBB 26 após 12º Paredão com alta porcentagem de votos Chaiany foi a 12ª eliminada do Big Brother Brasil 26, deixando a disputa pelo prêmio milionário neste domingo (5). A sister recebeu 61,07% dos votos do público para sair da casa, em um paredão disputado contra Marciele e Juliano Floss. A votação para permanência na casa definiu que Marciele ficaria com 20,37% dos votos, enquanto Juliano Floss obteve 18,56%. A saída de Chaiany marca o fim de sua participação no reality, onde buscou mudar de vida e garantir estabilidade financeira para sua filha. Natural de Brasília, Chaiany conquistou sua vaga no BBB 26 após uma **resistência impressionante de mais de 120 horas no Quarto Branco**. Sua jornada no programa foi marcada por relatos de superação e fortalecimento da autoestima. Trajetória de Chaiany no BBB 26: superação e busca por estabilidade Criada em uma roça no Vale do Paranã, em Goiás, Chaiany entrou no programa com um objetivo claro: **proporcionar uma vida melhor para sua filha, Lara**. A sister compartilhou com os telespectadores as dificuldades enfrentadas desde a infância, quando começou a trabalhar aos 10 anos em atividades rurais. Aos 15 anos, Chaiany se tornou mãe, uma experiência que, segundo ela, moldou significativamente sua trajetória pessoal e profissional. A participante desempregada demonstrou ao longo do confinamento uma **evolução notável em sua autoestima**, fruto de suas vivências e da força que encontrou dentro da casa. O 12º Paredão e a decisão do público O 12º Paredão do BBB 26 colocou em jogo a permanência de três participantes com histórias e perfis distintos. Chaiany, com sua narrativa de luta e superação, enfrentou a votação popular ao lado de Marciele e Juliano Floss. A alta porcentagem de votos para a eliminação de Chaiany, 61,07% da média dos votos, reflete a decisão do público em seguir com os outros dois confinados na disputa pelo prêmio. Impacto da eliminação e o futuro de Chaiany A saída de Chaiany do BBB 26 encerra sua participação em busca de um futuro mais estável. Sua história de vida, marcada pelo trabalho árduo e pela maternidade precoce, inspirou muitos espectadores. Agora fora da casa, Chaiany poderá buscar novas oportunidades e focar em seus objetivos pessoais e financeiros, com a esperança de ter conquistado o apoio do público e a visibilidade necessária para alcançar seus sonhos.

A humilde cadeira de plástico branca, conhecida como monobloco, é o móvel mais popular do planeta, presente em churrascos, bares de praia e até na capa de álbuns de sucesso mundial. Sua história é marcada por um design democrático e uma produção industrial que a transformou em um ícone, mas também em alvo de críticas. Você provavelmente já sentou em uma, ou tem memórias associadas a ela. A cadeira monobloco, aquela peça de plástico geralmente branca, é um objeto onipresente em nosso cotidiano. Sua simplicidade e versatilidade a tornaram um móvel extremamente popular, capaz de despertar tanto afeto quanto repúdio. Fabricada em uma única peça de polipropileno, a cadeira monobloco se destaca pela leveza, resistência e baixo custo. Essas qualidades a impulsionaram para além de qualquer barreira social ou geográfica, consolidando-a como um ícone do design industrial, conforme divulgado por fontes especializadas em design. Apesar de sua popularidade, a monobloco divide opiniões. Para alguns, ela representa a vulgaridade e a falta de estética, um símbolo da cultura do descartável. Já para outros, seu design é democrático e funcional, oferecendo conforto e praticidade a um preço acessível. Essa dualidade de percepções sobre a cadeira monobloco reflete a complexidade do consumo na sociedade atual. Do Protótipo à Produção em Massa: A Evolução da Monobloco A ideia de criar cadeiras a partir de uma única peça de material não é nova, com os primeiros experimentos datando da década de 1920. No entanto, foi em 1946 que o arquiteto canadense Douglas Colborne Simpson, em colaboração com o engenheiro James Donahue, desenvolveu um protótipo de cadeira empilhável em uma única peça de plástico. Este pode ser considerado o marco inicial da cadeira monobloco. Os avanços na tecnologia de termoplásticos nos anos seguintes permitiram a industrialização do processo. A injeção de resina plástica aquecida em moldes se tornou a base para a produção em larga escala. Essa inovação deu origem a peças de design icônicas como a cadeira Panton, de Verner Panton, e a Bofinger, de Helmut Bätzner, que hoje são objetos de desejo em museus e coleções de arte. A democratização da cadeira monobloco, no entanto, ganhou força com o engenheiro francês Henry Massonet. Em 1972, ele criou a Fauteuil 300, considerada o arquétipo da cadeira de plástico barata. Massonet otimizou o processo de fabricação, reduzindo o ciclo para apenas dois minutos, e comercializou sua criação. Embora inicialmente a cadeira não tenha sido um sucesso imediato devido à crise do petróleo de 1973, sua concepção aberta à cópia permitiu que seu modelo fosse aprimorado e popularizado. O Ícone Pop e a Inspiração para Bad Bunny A cadeira monobloco transcendeu seu status utilitário para se tornar um ícone cultural. Sua presença marcante na capa do premiado álbum “Un Verano Sin Ti” do artista porto-riquenho Bad Bunny é um testemunho do laço sentimental que muitas pessoas compartilham com este móvel e as lembranças que ele evoca. A onipresença da cadeira é notável em diversas partes do mundo. Ela pode ser encontrada em mercados na África, em cafés

Playlist Espacial da Artemis II: Músicas Surpresa Acordam Astronautas na Jornada Lunar A missão Artemis II, que leva astronautas em direção à Lua, tem uma trilha sonora especial para começar cada dia. O Centro de Controle da NASA envia “Wakeup calls”, ou “Ligações de bom dia”, com músicas escolhidas pela própria tripulação, uma tradição que marcou a era Apollo e agora revitaliza a jornada espacial. Essa seleção musical é um reflexo da diversidade de gostos, misturando clássicos atemporais com sucessos recentes. Os gêneros abrangem desde o indie eletrônico e o pop contagiante até o rock alternativo e o R&B, garantindo que cada despertar seja uma nova experiência sonora. Conforme divulgado pela agência espacial, o objetivo é iniciar o dia com uma “boa energia”. A cada dia, uma nova faixa é revelada, mantendo a tripulação e o público em antecipação. Conforme a agência espacial, a seleção para esta missão é bem variada, misturando clássicos e hits recentes de estilos como indie eletrônico, pop, e rock alternativo e R&B. As Músicas que Despertaram a Tripulação da Artemis II A cápsula Orion já ecoou diversas canções marcantes. No segundo dia da missão, a tripulação foi despertada com “Sleepyhead”, de Young & Sick, e “Green Light”, de John Legend. O terceiro dia trouxe “In a Daydream”, da Freddy Jones Band, embalando o amanhecer espacial. Já no quarto dia, a energia contagiante de “Pink Pony Club”, da cantora Chappell Roan, animou os astronautas. E para o quinto dia, a força do soul com “Working Class Heroes (Work)”, de CeeLo Green, marcou o despertar. A NASA destacou nas redes sociais que “Cada música de despertar, tocada pelo Centro de Controle de Missão no nosso Centro Espacial Johnson, em Houston, é uma maneira divertida de começar o dia com uma boa energia”. Surpresas e Mensagens Especiais na Rota Lunar Durante a transmissão ao vivo da missão, a música “Pink Pony Club” teve um momento inusitado, não sendo tocada até o fim, o que gerou brincadeiras entre os astronautas, que expressaram a frustração de “estar aguardando ansiosamente pelo refrão”. No quinto dia da missão, a trilha sonora veio acompanhada de uma mensagem emocionante do astronauta da Apollo 16, Charlie Duke. Ele relembrou sua própria jornada lunar em 1972, mencionando o módulo lunar chamado Orion, em homenagem ao qual a atual cápsula espacial foi nomeada. Uma Mensagem de Inspiração do Passado para o Futuro Charlie Duke expressou sua felicidade em ver um novo Orion “ajudando a levar os humanos de volta à Lua”. Ele também compartilhou um toque pessoal, revelando que uma foto de sua família estava localizada abaixo dos astronautas na Lua, com a esperança de que lembrasse a todos que “nós, a América e todo o mundo, estamos torcendo por vocês”. Este momento especial ocorreu no quinto dia da missão, com a expectativa crescente para o sexto dia, quando está previsto o **sobrevoo lunar**, o ápice aguardado da Artemis II. A jornada continua, embalada por música e pela esperança de um retorno bem-sucedido à superfície lunar. Contexto

Zé Neto e Cristiano: Histórico de polêmicas que vão além do caso Vorcaro e vídeo vetado judicialmente A dupla sertaneja Zé Neto e Cristiano volta a ser centro de discussões após a polêmica envolvendo a música “Oi, Tudo Bem?”. A faixa, que faz parte do DVD “Vocês & Deus”, teve seu vídeo oficial vetado por decisão judicial, após ser supostamente inspirada em diálogos vazados de Daniel Vorcaro, dono do banco Master, e usar imagens da influenciadora Karolina Trainotti sem autorização. Zé Neto chegou a cogitar não lançar a música, mas a equipe decidiu manter o cronograma. A decisão liminar atende ao pedido de Karolina Trainotti para evitar a associação de sua imagem a dados vazados de Vorcaro, figura investigada. Este não é o primeiro episódio que coloca a dupla sertaneja em evidência por declarações ou atitudes controversas. O histórico de Zé Neto e Cristiano é marcado por outros momentos que geraram repercussão nacional, muitos deles originados em palcos ou transmissões ao vivo. Conforme informações divulgadas, a dupla já se envolveu em debates sobre Lei Rouanet, comentários homofóbicos e aglomerações durante a pandemia. “CPI do Sertanejo”: Ataque a Anitta e uso da Lei Rouanet em xeque Em 2022, durante um show em Sorriso (MT), Zé Neto criticou a cantora Anitta e declarou que a dupla não dependia da Lei Rouanet. A declaração, que partiu de um comentário sobre uma tatuagem da artista, desencadeou uma crise que ficou conhecida como “CPI do Sertanejo”. O episódio escancarou o alto cachê pago a artistas do gênero por prefeituras de pequenas cidades, muitas vezes sem licitação, o que motivou investigações do Ministério Público em diversos estados. Comentários homofóbicos e pedido de desculpas em live No ano de 2021, durante uma live em Olímpia (SP), Zé Neto vestiu a camisa do São Paulo FC para pagar uma aposta e, em seguida, proferiu comentários e fez gestos homofóbicos. Após a imediata repercussão negativa, o cantor pediu desculpas, alegando que se tratava de uma “brincadeira” e que possuía pessoas homossexuais em sua família e equipe. Este incidente gerou grande indignação nas redes sociais. Aglomerações durante a pandemia e críticas sanitárias Ainda em 2021, a dupla foi alvo de críticas por promover aglomerações em um período de restrições devido à pandemia de Covid-19. Em um parque aquático em Olímpia, fãs se reuniram para assistir a uma transmissão ao vivo dos artistas, desrespeitando as normas sanitárias vigentes na época. A atitude foi vista como um descaso com a saúde pública e gerou forte desaprovação. Foto viralizada e “conteúdo impróprio” no Instagram Em 2020, uma foto de Zé Neto de sunga em uma praia na Bahia viralizou. O volume na vestimenta do cantor se tornou o assunto mais comentado nas redes sociais, gerando memes e uma resposta bem-humorada do sertanejo. O Instagram chegou a remover a imagem por considerá-la “conteúdo impróprio”. O episódio, apesar de inusitado, resultou em um aumento expressivo no número de seguidores do artista.

Documentário “Vivo 76” desvenda a genialidade de Alceu Valença na luta contra a ditadura O filme “Vivo 76”, de Lírio Ferreira, mergulha nos bastidores da criação do espetáculo “Vou danado pra catende” e do álbum “Vivo!”, marcos na carreira de Alceu Valença. O documentário, exibido na 31ª edição do festival É Tudo Verdade, retrata um período crucial entre 1975 e 1976, quando o artista eletrificou a música nordestina com a energia do rock, ao mesmo tempo em que enfrentava a repressão da ditadura militar. A obra cinematográfica, que chega às telas uma década após sua concepção inicial, explora as raízes da criatividade de Alceu, remontando sua infância em São Bento do Una, Pernambuco, onde o circo, como ele mesmo relata, foi uma inspiração fundamental. Essa influência circense se manifesta de forma surpreendente em sua trajetória artística e em sua postura desafiadora. Conforme divulgado sobre o filme, “Vivo 76” não se limita a celebrar a música, mas também expõe a coragem de artistas que, como Alceu Valença, usaram sua arte como forma de resistência. O documentário apresenta depoimentos de críticos, músicos e biógrafos, além do próprio Alceu, que compartilham memórias e análises sobre esse período turbulento e produtivo da história cultural brasileira. A Infância no Circo e a Inspiração para “Vivo 76” A frase de Alceu Valença, que abre o documentário, “Esse disco é, no fundo, um circo para mim. Eu começo com a voz do palhaço”, resume a essência do filme. Lírio Ferreira utiliza essa metáfora para traçar um paralelo entre as memórias de infância do artista em São Bento do Una, onde o circo era uma presença constante e fascinante, e a concepção do show e do álbum que revolucionariam a música nordestina. O diretor, com sensibilidade, reconstrói a jornada de Alceu até o momento decisivo de 1975. Antes de focar no show e no disco que o consagrariam, o filme revisita o primeiro álbum solo do cantor, “Molhado de suor”, lançado em 1974 sem o impacto esperado. Alceu descreve esse trabalho inicial como “mar” e “água”, contrastando com a força que viria a seguir. O Show “Vou danado pra catende” e a Repressão da Ditadura O cerne de “Vivo 76” reside na análise do show “Vou danado pra catende” e do álbum “Vivo!”. Esses trabalhos foram cruciais para fundir a riqueza dos ritmos nordestinos com a energia contagiante do rock, criando uma sonoridade inovadora e potente. O documentário detalha como essa fusão musical foi recebida e, em muitos casos, combatida pela elite cultural da época. A resistência enfrentada por Alceu não foi apenas artística, mas também política. O filme aborda a repressão sofrida por artistas que se opunham à ditadura. O crítico musical Antonio Carlos Miguel e o biógrafo Júlio Moura, entre outros, oferecem perspectivas valiosas sobre o contexto social e político da época. Moura, por exemplo, relembra a ida de Alceu aos Estados Unidos em 1969 e a resistência que o show de 1975 encontrou, incluindo “a patrulha dos jornalistas do semanário ‘O Pasquim’”. O Reencontro com