Uso de IA em músicas pop nacionais é rotina, afirmam profissionais da indústria musical A inteligência artificial (IA) deixou de ser uma promessa futurista para se tornar uma ferramenta cada vez mais presente na criação musical brasileira. Profissionais da indústria revelam que grandes sucessos do pop nacional podem ter sido total ou parcialmente produzidos com a ajuda de IAs, impactando desde artistas iniciantes até grandes nomes do cenário musical. Essa tecnologia se infiltrou de forma ampla em todas as etapas do processo criativo. Desde a concepção de melodias e harmonias até a finalização de vocais e instrumentais, a IA oferece novas possibilidades e agiliza a produção, levantando discussões sobre autoria e originalidade. Conforme apurado pelo g1, o uso de IA abrange projetos de artistas de todos os portes, indicando uma democratização e, ao mesmo tempo, uma padronização crescente no mercado. Entenda como essa revolução tecnológica está moldando o futuro da música popular no Brasil. Suno AI e outras IAs: as novas ferramentas dos compositores Ferramentas como a Suno AI se tornaram extremamente populares entre músicos e produtores. A plataforma permite a criação de músicas completas a partir de comandos simples, como estilo musical, tonalidade e andamento. Além dela, IAs mais gerais, como o ChatGPT e o Gemini, também são utilizadas para auxiliar na composição de letras, complementando ideias iniciais ou finalizando trechos. Um produtor musical, que preferiu não se identificar, explicou ao g1 como a IA é aplicada na prática. “Eu não cheguei a ver ninguém criar uma letra completa com alguma ferramenta de IA, mas eu já vi bastante alguém pegar uma ideia, um início de uma letra e usar o ChatGPT ou Gemini para terminar a letra. Isso é muito comum mesmo”, relatou. Instrumentais e vocais gerados por IA: a nova realidade da produção Na área de produção, a disseminação da IA é ainda mais acentuada. É comum que instrumentais sejam criados inteiramente por ferramentas como a Suno AI e, posteriormente, recebam a adição de instrumentos reais para um acabamento mais orgânico. “É comum fazer instrumentais usando o Suno e depois ir colocando instrumentos [reais] por cima para dar uma disfarçada, mas a base da música foi criada por IA mesmo”, afirma um profissional. A geração de arranjos complexos, como corais ou a inclusão de instrumentos específicos, também é facilitada. “Rola muito de gente que pega um beat sem um violão e pede a IA para gerar o violão e o arranjo da música. Ninguém tocou aquele violão, aquele violão não existe, é gerado por IA. Ou, ao invés de juntar pessoas e gravar um coral, joga a melodia na IA, então fica um coral de IA”, detalha um produtor. O caso de Pocah: IA na criação de vocais e a autorização de uso A cantora e compositora T’állia, que já trabalhou com artistas renomados como Anitta e Ludmilla, compartilhou um caso peculiar envolvendo a cantora Pocah. Na música “Venenosa” (2024), um refrão foi inicialmente composto com a voz de Pocah, mas, devido a imprevistos, precisou ser refeito.

O Sudeste Continua Concentrando a Maior Parte do Financiamento Público do Cinema Brasileiro, Apesar das Cotas Regionais A discussão sobre a concentração de recursos no cinema brasileiro ganhou força após o discurso do diretor Kleber Mendonça Filho no Prêmio Grande Otelo. O cineasta pernambucano levantou a questão da distância entre a Academia Brasileira de Cinema e realizadores de estados fora do Sudeste, expondo um desequilíbrio que se estende ao financiamento público. Dados recentes do Fundo Setorial do Audiovisual (FSA) revelam que a região Sudeste recebeu a maior fatia dos investimentos, gerando debates sobre a eficácia das políticas de fomento regional. A concentração de verbas levanta questionamentos sobre a democratização do acesso a recursos para a produção cinematográfica em todo o país. Apesar da existência de leis e cotas destinadas a promover a diversidade regional, os números de 2025 mostram que o Sudeste continuou a ser o principal beneficiário dos recursos do FSA. Conforme apurado pelo g1, a agência responsável pelo fundo não comentou a persistência dessa concentração. Concentração de Recursos no Sudeste Desafia Políticas de Regionalização O Fundo Setorial do Audiovisual (FSA), uma das principais fontes de financiamento público para o audiovisual brasileiro, direcionou uma parcela expressiva de seus recursos para a região Sudeste em 2025. De acordo com o Relatório Anual de Gestão do FSA, a região concentrou 66,29% dos investimentos, o equivalente a R$ 374 milhões. O Rio de Janeiro e São Paulo, sozinhos, foram responsáveis por 57,25% desse montante, superando metade de toda a verba anual do fundo. Em contrapartida, as regiões Norte, Nordeste e Centro-Oeste juntas receberam apenas 22,63% dos valores distribuídos. Essa disparidade é ainda mais acentuada ao comparar o montante destinado ao Sudeste isoladamente com o total das outras três regiões combinadas, que somaram menos de um terço do que foi investido na região mais desenvolvida do país. Fatores Históricos e Estruturais Alimentam a Concentração Regional Três fatores principais explicam a persistência dessa concentração. O primeiro é o histórico de mercado, onde linhas de financiamento priorizam empresas com base em resultados anteriores. Como as grandes produtoras e distribuidoras historicamente se localizam no Sudeste, elas acumulam mais pontos nesse critério, criando um ciclo que se retroalimenta. A capacidade de contrapartida local é outro ponto crucial, pois estados com agências audiovisuais mais estruturadas, como o Rio de Janeiro com a RioFilme, conseguem firmar parcerias de maior porte com o FSA, algo que poucos estados possuem em escala semelhante. Por fim, a concentração de empresas aptas contribui para que os recursos se direcionem a locais onde já existe um número maior de companhias capacitadas para cumprir os rigorosos requisitos de contratação e entrega de projetos exigidos pelos editais do fundo. Essa dinâmica, segundo especialistas, dificulta a entrada de novos players e a diversificação geográfica da produção. Mecanismos de Regionalização Insuficientes para Equilibrar a Distribuição A legislação brasileira prevê mecanismos para mitigar essa concentração. A Lei nº 11.437, de 2006, estabelece que pelo menos 30% dos recursos do FSA devem ser destinados a projetos das regiões Norte, Nordeste

Morre Jon Cypher, ator icônico de “Masters of the Universe” e “Chumbo Grosso”, aos 94 anos O mundo do entretenimento lamenta a perda de Jon Cypher, um ator versátil que marcou gerações com seus papéis memoráveis no cinema e na televisão. Cypher faleceu pacificamente em sua casa no Oregon, nos Estados Unidos, na última segunda-feira (3), aos 94 anos. Conhecido por sua participação em “Masters of the Universe” (1987) e como o chefe de polícia Fletcher Daniels em “Chumbo Grosso”, Cypher construiu uma carreira sólida e diversificada, que abrangeu desde musicais até dramas policiais. A notícia de seu falecimento foi confirmada por sua família, que informou que ele estava ao lado de sua esposa, Carol Rosin, com quem compartilhou 40 anos de matrimônio. A causa exata da morte não foi divulgada, mas a partida do ator deixa uma lacuna no cenário artístico. Conforme informação divulgada pela família do artista, Jon Cypher nos deixou aos 94 anos. O Guerreiro Man-At-Arms em “Masters of the Universe” Para os fãs da cultura pop, Jon Cypher será eternamente lembrado como o inventor e guerreiro **Man-At-Arms** no filme “Masters of the Universe” de 1987. Na adaptação cinematográfica da popular franquia de He-Man, Cypher deu vida a um dos aliados mais leais de He-Man, interpretado por Dolph Lundgren, na batalha contra o vilão Esqueleto, encarnado por Frank Langella. O filme, lançado no auge do sucesso do desenho animado “He-Man and the Masters of the Universe”, conquistou um status cult com o passar dos anos, apesar das críticas iniciais. A história acompanha He-Man e seus companheiros em uma jornada que os leva da Terra a Eternia, em uma luta épica contra as forças do mal. Fletcher Daniels em “Chumbo Grosso”, um ícone da TV Antes de se destacar em “Masters of the Universe”, Jon Cypher já era um rosto familiar na televisão americana graças ao seu papel como o ambicioso e calculista chefe de polícia **Fletcher Daniels** na aclamada série “Chumbo Grosso” (Hill Street Blues). Presente em todas as sete temporadas da produção, exibida entre 1981 e 1987, Cypher contribuiu para o sucesso de um drama policial inovador. “Chumbo Grosso” revolucionou o gênero ao explorar não apenas os casos policiais, mas também os complexos conflitos pessoais e políticos de seus personagens, influenciando profundamente o futuro dos dramas televisivos nos Estados Unidos e em todo o mundo. O Príncipe Encantado e o início de uma carreira brilhante A trajetória de Jon Cypher na atuação começou a ganhar destaque ainda nos anos 1950. Em 1957, ele interpretou o **Príncipe Encantado** na primeira adaptação televisiva ao vivo do musical “Cinderella”, contracenando com uma jovem e talentosa Julie Andrews. Este papel projetou Cypher nacionalmente e marcou o início de uma fase em que ele conciliou com maestria a atuação e o canto lírico. Nascido em Nova York em 13 de janeiro de 1932, Cypher possuía formação em canto lírico e era conhecido por sua habilidade de cantar em quatro idiomas, encantando a todos ao seu redor com sua voz e paixão

Brô MC’s emociona Anitta e fãs em show histórico no Dia dos Povos Indígenas O público presente no show da cantora Anitta foi pego de surpresa e se emocionou com uma participação especial no último domingo (9). O **Brô MC’s**, pioneiro grupo de rap indígena do Brasil, subiu ao palco e dividiu os holofotes com a artista em um momento marcante. A apresentação aconteceu durante a turnê ‘EQUILIBRIVM II’ e coincidiu com a celebração do **Dia Internacional dos Povos Indígenas**. A energia e a mensagem transmitida pelo grupo tocaram profundamente Anitta, que não conteve as lágrimas durante a performance. A participação do Brô MC’s em um dos shows de Anitta gerou grande repercussão nas redes sociais, com fãs elogiando a música e a iniciativa da cantora em dar visibilidade a artistas indígenas. Conforme informação divulgada pelo g1, a cantora expressou sua felicidade em receber o grupo em sua turnê. Quem é o Brô MC’s, o grupo de rap indígena que fez Anitta chorar? O **Brô MC’s** é formado pelos sul-mato-grossenses Kelvin Mbaretê, Bruno Veron, Clemersom Batista e Charlie Peixoto. Originários de Dourados, no estado de Mato Grosso do Sul, os integrantes pertencem à etnia Guarani-Kaiowá, das comunidades Jaguapiru e Bororó. O grupo se destaca por misturar o português com o idioma guarani em suas letras, levando a cultura e a realidade dos povos indígenas para o cenário musical. A faixa “OKE” e a parceria com Anitta e Katu Mirim A emocionante apresentação no show de Anitta foi em celebração à faixa “OKE”, presente no novo álbum da cantora. A música conta com a colaboração de Anitta e da rapper indígena Katu Mirim, e a presença do Brô MC’s no palco engrandeceu ainda mais a mensagem da canção. A parceria foi muito elogiada pelos fãs, que consideram “OKE” um dos destaques do álbum. Repercussão e expectativa de Grammy A participação do Brô MC’s no trabalho de Anitta gerou grande entusiasmo entre os fãs. Nas redes sociais, muitos consideraram a faixa “OKE” como uma das melhores do álbum e especularam sobre o potencial da música em conquistar um Grammy para Anitta. Se isso ocorrer, os artistas de Mato Grosso do Sul também entrarão para a história da premiação musical. Com uma carreira de 17 anos prevista para 2026, o Brô MC’s já consolidou sua importância no cenário musical brasileiro. A mistura de ritmos, o uso das línguas originárias e a representatividade cultural fazem do grupo uma voz poderosa para a comunidade indígena.

Xamã cancela turnê “Xamã 2026” e causa surpresa; fãs aguardam reembolso de ingressos Uma notícia inesperada pegou os fãs de surpresa nesta segunda-feira (10). O rapper Xamã anunciou o cancelamento de sua aguardada turnê “Xamã 2026”, que prometia percorrer diversas cidades brasileiras. A decisão, comunicada através das redes sociais do artista, gerou comoção entre o público que já havia adquirido seus ingressos. A equipe do cantor afirmou que todos os valores serão reembolsados integralmente. Embora os motivos exatos não tenham sido detalhados, a nota oficial mencionou “necessidade da produção” como causa para o cancelamento. Xamã, que confirmou presença no Rock in Rio 2026, lamentou o ocorrido, descrevendo a turnê como “um sonho”. Conforme informação divulgada pela equipe do cantor, o processo de reembolso já foi iniciado e deve ser concluído em até sete dias úteis. O que era a turnê “Xamã 2026”? A turnê “Xamã 2026” tinha planos ambiciosos, com a previsão de mais de 30 apresentações em 25 cidades espalhadas pelo Brasil. O projeto teve seu pontapé inicial com um show no bairro de Campo Grande, na zona oeste do Rio de Janeiro. A expectativa era alta para ver o artista apresentar seu repertório em diferentes palcos do país. O cancelamento, portanto, representa uma grande frustração para os admiradores de Xamã que esperavam por esses encontros. Reembolso dos Ingressos: Como Funciona? Para minimizar os transtornos, a equipe de Xamã assegurou que o reembolso integral dos ingressos já começou. O processo visa garantir que todos os consumidores que compraram entradas para os shows recebam o valor de volta. A promessa é que a conclusão de todos os reembolsos ocorra em um prazo de até sete dias úteis, a partir da data de anúncio do cancelamento. Os fãs devem ficar atentos às comunicações oficiais para mais detalhes sobre como proceder, caso necessário. Xamã no Rock in Rio 2026 Apesar do cancelamento da turnê “Xamã 2026”, o rapper continua confirmado como uma das atrações do Rock in Rio 2026. Xamã se apresentará no Espaço Favela, no dia 6 de setembro do próximo ano. A participação em um dos maiores festivais de música do mundo mostra que a carreira do artista segue em ascensão, mesmo diante de contratempos como o cancelamento inesperado de sua turnê solo. A expectativa agora fica em torno de sua performance no Rock in Rio e de futuros projetos.

Mariana Volker anuncia ‘Feitiço’, seu terceiro álbum, com participações de Rachel Reis e Maria Gadú A cantora Mariana Volker está prestes a lançar seu aguardado terceiro álbum, intitulado ‘Feitiço’. O trabalho tem data marcada para chegar às plataformas digitais em 18 de agosto e promete agitar o cenário musical brasileiro. O álbum traz colaborações de peso, como a participação de Rachel Reis na faixa-título, que marca o primeiro feat entre as duas artistas. Essa parceria, no entanto, não é inédita, já que Mariana e Rachel já assinaram juntas a música ‘Furacão’, presente no segundo álbum de Rachel Reis, ‘Divina Casca’. Além de Rachel Reis, ‘Feitiço’ contará com a participação de Maria Gadú na música ‘Não quero te perder’. Esta parceria foi lançada como o segundo single do álbum em novembro de 2025 e já deu um gostinho do que o público pode esperar do novo trabalho. Faixas já lançadas e novas parcerias O álbum ‘Feitiço’ já apresentou ao público algumas de suas faixas em formato de single. Canções como ‘É segredo’ e ‘Desassossego’, ambas parcerias de Mariana Volker com Carol Mathias, foram lançadas previamente, antecipando o clima do terceiro álbum da artista. Este novo projeto de Mariana Volker é o primeiro desde o lançamento de ‘Impossível dizer que não senti’, em 2022, e demonstra a evolução e a versatilidade da cantora em suas composições e colaborações. ‘Feitiço’ promete encantar os fãs A expectativa para o lançamento de ‘Feitiço’ é alta, especialmente após os singles já divulgados. A combinação de talentos de Mariana Volker com Rachel Reis e Maria Gadú, aliada às parcerias com Carol Mathias, sugere um álbum rico em sonoridades e emoções. Os fãs podem esperar um trabalho que explora diferentes facetas da artista, com letras que abordam temas como amor, perda e autoconhecimento, embaladas por melodias cativantes e arranjos inovadores. A produção de ‘Feitiço’ tem sido acompanhada de perto pela crítica especializada. O lançamento de ‘Feitiço’ em 18 de agosto marca um novo capítulo na carreira de Mariana Volker, consolidando seu espaço na música brasileira com um álbum que celebra colaborações e a força da sua própria voz.

Anita Nobre, mãe do sambista Dudu Nobre e da ex-porta-bandeira Lucinha Nobre, faleceu aos 78 anos neste domingo (9). A notícia foi divulgada pelo cantor em suas redes sociais, onde prestou uma emocionante homenagem à matriarca. A família de Anita Nobre expressou a dor da perda, mas também celebrou as **inestimáveis lembranças** deixadas pela mãe e avó. Anita teve um papel crucial na formação de seus filhos, especialmente na área musical de Dudu Nobre. Segundo o cantor, foi Anita quem **comprou seu primeiro cavaquinho**, um gesto que marcou o início de sua carreira. Ela percebeu o interesse precoce do filho pelo instrumento, que ele observava na casa de um porteiro. Anita Nobre é reconhecida como uma das **pioneiras das rodas de samba no Rio de Janeiro**. Seus filhos cresceram imersos nesse ambiente musical, frequentando nomes como Arlindo Cruz, Almir Guineto e Zeca Pagodinho desde cedo. O início de Dudu Nobre e o apoio materno A história de Dudu Nobre com a música é intrinsecamente ligada à sua mãe, Anita Nobre. O sambista já contou em diversas entrevistas que o **incentivo financeiro e o apoio de Anita foram fundamentais** para que ele pudesse dar os primeiros passos no mundo do samba. A compra do primeiro cavaquinho, ainda na infância de Dudu, foi um marco. Ele demonstrava um fascínio especial pelo instrumento, observando atentamente as posições das notas, enquanto outras crianças brincavam de forma diferente com o objeto. Anita Nobre, ao notar essa paixão, agiu prontamente. Essa atitude demonstra a **visão e o carinho de mãe** que impulsionaram o talento do futuro artista, garantindo que ele tivesse as ferramentas necessárias para explorar seu dom. Um berço de samba e talentos O ambiente familiar em que Dudu e Lucinha Nobre cresceram era **profundamente musical**. Anita Nobre e seu marido, João Nobre, sempre incentivaram a aptidão dos filhos, proporcionando-lhes contato direto com a rica cultura do samba. O casal, inclusive, investiu em aulas formais para Dudu, como **piano clássico e percussão**, demonstrando a seriedade com que levavam o desenvolvimento musical do filho. Essa base sólida contribuiu para que Dudu Nobre se tornasse um dos grandes nomes do samba. A influência de Anita Nobre se estendeu por toda a comunidade do samba, tornando-a uma figura querida e respeitada. Sua partida deixa uma lacuna, mas seu **legado de amor pela música e pela família** permanece vivo. Reconhecimento e legado no samba A trajetória de Anita Nobre é marcada por sua **dedicação ao samba** e à família. Ela não apenas apoiou a carreira dos filhos, mas também participou ativamente da cena cultural carioca, sendo considerada uma precursora das rodas de samba. A homenagem feita por Dudu Nobre nas redes sociais ressaltou a importância de Anita em sua vida e na história do samba. A família destacou as **memórias preciosas** que Anita deixou, um tesouro que será guardado com carinho. Aos 78 anos, Anita Nobre parte deixando um rastro de **amor, música e inspiração**. Sua influência na carreira de Dudu Nobre e Lucinha Nobre, assim como sua contribuição

A comemoração da submissão ao Grammy Latino: um ato burocrático ou estratégia de marketing? Flay e Eliezer geraram burburinho nas redes sociais ao celebrarem efusivamente a inscrição de seus trabalhos no Grammy Latino 2026. Enquanto alguns criticaram a exaltação de um processo considerado meramente burocrático, a prática revela uma estratégia comum na indústria musical, conhecida como campanha “For Your Consideration”. Essa etapa inicial, que envolve o cadastro das obras para que concorram à premiação, é vista por muitos artistas como um marco importante. A celebração, portanto, vai além da formalidade, representando um passo concreto na busca por reconhecimento e visibilidade no cenário musical latino-americano. Entender o contexto por trás dessa comemoração é fundamental para compreender as dinâmicas da indústria. A Academia Latina da Gravação estabelece regras claras para a elegibilidade e o processo de inscrição, que, embora burocrático, abre portas para futuras indicações. Conforme informação divulgada pela Academia, a submissão é o ato de cadastrar um trabalho, e não a garantia de indicação. Entendendo o processo de submissão para o Grammy Latino Nos Estados Unidos, o termo “submission” é amplamente utilizado para o registro de obras em premiações de música e cinema. Em português, a tradução mais precisa é “inscrição”. Para o Grammy Latino 2026, álbuns e faixas lançados entre 1º de junho de 2025 e 31 de maio de 2026 são elegíveis. Um álbum é considerado elegível se contiver no mínimo cinco músicas e 15 minutos de duração, ou 30 minutos com qualquer número de canções. Além disso, é necessário que 60% das letras sejam em espanhol, português ou dialetos ibero-americanos, e 51% das gravações sejam inéditas. Para faixas, a exigência é de 60% de letras em idiomas ibero-americanos. Quem pode inscrever e os custos envolvidos Membros da Academia Latina da Gravação, além de gravadoras e selos cadastrados na instituição, têm o poder de inscrever trabalhos. Ser membro da Academia exige envolvimento ativo e recente na indústria, com o pagamento de uma taxa anual. Para membros, o registro de até cinco obras por categoria é gratuito, com uma taxa de US$ 20 a partir da sexta. Gravadoras, por outro lado, pagam um valor fixo de US$ 2 mil por inscrição em cada categoria, um valor considerado alto para estimular a “seletividade” das grandes empresas, segundo a Academia. A campanha “For Your Consideration”: transformando burocracia em estratégia O ato de ser “inscrito” é um passo burocrático e distinto de ser “indicado”. A lista final de concorrentes ao Grammy Latino será divulgada em 16 de setembro, após a votação dos membros da Academia. Uma vez inscritos, os artistas iniciam a fase de divulgação, conhecida como “For Your Consideration” (Para Sua Consideração). Nesta etapa, profissionais da indústria musical e cinematográfica divulgam seus trabalhos, destacando qualidades, impacto e relevância. Flay e Eliezer optaram por um formato mais informal em seus vídeos, focando na alegria de participar do Grammy e no significado emocional de suas obras, sem detalhar a natureza burocrática da inscrição. Exemplos de campanhas e a importância da visibilidade Artistas como Emicida,

Rosalía encanta o Brasil com a turnê ‘Lux’ em apresentações únicas no Rio de Janeiro A aclamada artista catalã Rosalía desembarcou no Brasil para uma série de shows imperdíveis na Farmasi Arena, no Rio de Janeiro, nos dias 10 e 11 de agosto. Os fãs terão a oportunidade de presenciar pela primeira vez no país a turnê do seu mais recente álbum, ‘Lux’, um trabalho que promete uma experiência imersiva com canto lírico, orquestra e profundas referências artísticas e religiosas. Meses após realizar uma audição especial do álbum no Cristo Redentor, Rosalía agora traz a essência de ‘Lux’ para o palco, em uma celebração que mistura música, dança e espiritualidade. A expectativa é alta para ver como a artista irá traduzir a atmosfera mística do disco em uma performance ao vivo. Conforme informação divulgada pelo g1, a turnê ‘Lux’ mergulha em temas religiosos, explorando a relação da artista com o divino e os mistérios da vida sob uma perspectiva feminina. Prepare-se para uma jornada sonora e visual que vai além da música. Saiba todos os detalhes sobre o que esperar desses shows emocionantes. ‘Lux’: Um mergulho na fé e na arte em 13 idiomas O álbum ‘Lux’, lançado em novembro de 2025, é o epicentro desta turnê e se destaca pela sua rica exploração da religião. Rosalía tece narrativas sobre sua conexão com Deus e o enigma da existência, utilizando uma multiplicidade de idiomas, incluindo o português, no fado ‘Memória’. Esta faixa, com sotaque de Portugal, é um dos destaques que os fãs esperam ansiosamente. A balada ao piano ‘Sauvignon Blanc’, por exemplo, aborda o desapego material em nome do amor, e esconde uma referência a Santa Teresa de Ávila, uma figura religiosa que renunciou às riquezas para seguir a devoção. Outra referência importante é em ‘Berghain’, onde Rosalía canta em alemão inspirada por Hildegard von Bingen, uma monja alemã renomada por suas contribuições em diversas áreas, da música à medicina. Um espetáculo teatral com orquestra e confessionário A turnê de Rosalía é definida como um espetáculo teatral e grandioso, onde o canto lírico se entrelaça com o balé, a religião e as artes clássicas. A apresentação é dividida em cinco atos, transitando entre momentos dramáticos e outros mais vibrantes e dançantes, cada um com cenografias distintas. Um dos elementos mais curiosos é a presença de uma orquestra que reproduz os arranjos no meio da pista, enquanto Rosalía se apresenta no palco principal, que tem um formato de cruz. A experiência visual e sonora promete ser impactante. Além disso, um segmento especial conta com um “confessionário” no palco. Nesse momento, Rosalía recebe um convidado, frequentemente uma figura famosa, para compartilhar confissões sobre sua vida amorosa, adicionando um toque íntimo e pessoal ao show. O que esperar da setlist de Rosalía no Brasil A setlist dos shows de Rosalía no Brasil geralmente inclui faixas dos álbuns ‘Lux’, ‘Motomami’ e ‘Los Angeles’. É comum que músicas do aclamado álbum ‘El Mal Querer’ não façam parte do repertório. Embora a faixa ‘Memória’, cantada

Teresa Cristina lança “Tudo que eu tenho”, álbum autoral que reafirma sua identidade e força no samba. Disco marca 20 anos de carreira com 10 sambas inéditos. Após duas décadas de carreira, a cantora Teresa Cristina lança seu primeiro álbum inteiramente autoral, “Tudo que eu tenho”. O trabalho, disponível no mundo digital a partir de 14 de agosto, apresenta dez sambas inéditos que refletem a alma e a trajetória da artista. Revelada em 1998 no circuito de bares da Lapa, no Rio de Janeiro, Teresa Cristina é cria do subúrbio carioca, berço de pagodes e celebrações musicais. Essa geografia afetiva está presente em “Tudo que eu tenho”, álbum produzido por Pretinho da Serrinha. A obra representa um marco na discografia de Teresa Cristina, que nos últimos anos se dedicou a songbooks de grandes nomes do samba. O álbum é um manifesto de sua força como compositora, em um mercado que por vezes tentou silenciar sua produção autoral. Conforme informação divulgada pela fonte, o último álbum com músicas de sua autoria foi “Melhor assim”, lançado em 2010. “Meu Bloco”: um grito de empoderamento e identidade A faixa “Meu bloco” já anuncia a postura de Teresa Cristina no álbum. Com versos como “Sou batuqueira, sim / Sou brasileira, sim / Meu estandarte é negro, é tupiniquim / Sou batuqueira, sim / Sou brasileira, sim / E no meu bloco ele não toca tamborim”, a cantora marca sua posição, celebrando sua ancestralidade e cultura. A música, parceria com Raul Di Caprio, é um dos destaques do disco, que se propõe a ser um retrato fiel da artista, sem invenções ou tentativas de impressionar. A força feminina e a negritude são temas centrais, ecoando em todo o repertório. A geografia carioca e a alma de Teresa Cristina em “Tudo que eu tenho” A identidade carioca, especialmente a do subúrbio, é um dos pilares de “Tudo que eu tenho”. A produção musical e os arranjos de Pretinho da Serrinha realçam essa conexão com as raízes da cantora. Contudo, é a alma de Teresa Cristina que rege o samba. O álbum é descrito como altivo, de uma mulher que sabe o que quer, inclusive ao dialogar com o produtor do próprio disco. A geografia carioca está entranhada na alma do trabalho, mas é a alma da artista que o conduz. Resiliência e ancestralidade nas letras e melodias O samba-título “Tudo que eu tenho” é um brado sereno de resistência pessoal e política. A letra celebra a jornada da artista, que “ganhei a rua, fui ouvir a voz do povo / E olha eu aqui de novo”, mostrando sua persistência. “Tudo que eu tenho” simboliza a tomada de posição de Teresa Cristina na vida privada e no âmbito social e político. O disco transita entre o samba de terreiro e toques rurais, como em “Nostalgia”, que flerta com o universo do calango. Um mergulho nas emoções e na espiritualidade afro-brasileira A melancolia, característica marcante do canto de Teresa Cristina, dá o tom de sambas como “Notícia boa”,