Gerry Conway, lenda dos quadrinhos e criador do icônico Justiceiro, faleceu aos 73 anos. Sua partida deixa um legado imensurável para a Marvel e para fãs ao redor do mundo. A Marvel Comics confirmou a triste notícia nesta segunda-feira, 27, em um comunicado oficial que ressalta a **profunda influência** de Conway no panteão de super-heróis. Conhecido por dar vida ao sombrio e implacável **Justiceiro**, personagem que transcendeu os quadrinhos para ganhar adaptações na Netflix, Conway também foi peça fundamental nas narrativas de O Incrível Homem-Aranha. Sua habilidade em construir personagens complexos e tramas envolventes marcou uma geração de leitores e inspirou inúmeros criadores, solidificando seu nome como um dos pilares da indústria de HQs, conforme divulgado pela Marvel Comics. O Início de uma Carreira Brilhante na Marvel Gerry Conway iniciou sua jornada no universo Marvel ainda muito jovem, com apenas 16 anos. Seu talento precoce o levou a trabalhar em diversas publicações da editora, demonstrando desde cedo uma **versatilidade impressionante**. O ponto de virada em sua carreira ocorreu aos 19 anos, quando assumiu a responsabilidade de substituir ninguém menos que Stan Lee como roteirista principal de O Incrível Homem-Aranha. Ele conduziu as histórias do amigável vizinho nas edições 111 a 149. O Nascimento de um Anti-Herói: A Criação do Justiceiro Foi durante esse período prolífico, mais precisamente na edição 129 de O Incrível Homem-Aranha, que Gerry Conway apresentou ao mundo um dos personagens mais marcantes e controversos dos quadrinhos: **o Justiceiro**. Frank Castle, o vigilante implacável, rapidamente conquistou seu espaço. A criação do Justiceiro demonstrou a capacidade de Conway em explorar os **limites morais** e a complexidade dos heróis, oferecendo um contraste sombrio aos arquétipos mais tradicionais. Um Legado Inspirador, Segundo a Marvel Dan Buckley, presidente da Marvel Comics e de franquias, expressou o pesar da empresa, destacando o talento e a dedicação de Conway. “Gerry Conway era um escritor talentoso. Ele era atencioso, profundamente sintonizado com a essência emocional e moral da narrativa, e um defensor maravilhoso e eloquente dos quadrinhos e de seus criadores.” Buckley acrescentou que a escrita de Conway **inspirou todos na Marvel** e continuará a motivar novas gerações de escritores, leitores e fãs. Sua obra influenciou diretamente personagens como o Homem de Ferro e os Vingadores, moldando o universo Marvel. Impacto Duradouro no Universo dos Quadrinhos A contribuição de Gerry Conway para o mundo dos quadrinhos vai muito além de personagens específicos. Ele ajudou a definir o tom e a profundidade de muitas histórias, explorando temas complexos com maestria. Seu trabalho em O Incrível Homem-Aranha é lembrado por sua qualidade narrativa e por introduzir elementos que se tornariam icônicos. A criação do Justiceiro, em particular, abriu portas para anti-heróis e narrativas mais maduras no gênero. A **legado de Gerry Conway** perdura nas páginas que escreveu e nos personagens que ajudou a moldar, garantindo sua eterna presença no panteão dos grandes nomes dos quadrinhos.

Marina Lima celebra 70 anos em show que reafirma sua assinatura autoral moderna, entre sucessos e o controverso “Ópera Grunkie”. A cantora Marina Lima comemorou seus 70 anos em uma apresentação memorável no Rio de Janeiro, validando a força de sua obra autoral ao misturar hits consagrados com canções do recente e polêmico álbum “Ópera Grunkie”. O espetáculo, que estreou em Porto Alegre e passou pelo Rio com plateia ilustre, incluindo Caetano Veloso e Ney Matogrosso, demonstrou a vitalidade de uma artista que se reinventa constantemente. O show “Marina Lima 70” não evitou as músicas do 18º álbum de estúdio, “Ópera Grunkie” (2026), que gerou controvérsias online. Apesar de não serem o foco principal, faixas como “Só que não”, “Olívia” e “Samba pra diversidade” marcaram presença, algumas perdendo um pouco de seu impacto fora do contexto original, mas outras, como “Meu poeta”, ressaltando o luto pela perda do irmão e letrista Antonio Cicero. Conforme divulgado, o espetáculo é uma afirmação da singularidade de Marina Lima, compositora e instrumentista que se impôs em um universo historicamente masculino. A artista abriu o show tocando guitarra na música “Pra começar” (1986), remetendo à sua icônica imagem no primeiro álbum “Simples como fogo” (1979), sinalizando 50 anos de coerência e modernidade desde seu início como compositora em 1976. A Força da Assinatura Autoral de Marina Lima Marina Lima, aos 70 anos, exibiu uma sensualidade natural e trocou de figurinos ao longo dos 90 minutos de apresentação. A artista, que ousou ao abordar o sexo explicitamente no pop brasileiro dos anos 80, mostrou que sua linguagem continua atual e envolvente. A presença da bailarina e coreógrafa Carol Rangel em cena adicionou um toque especial. Embora as canções de “Ópera Grunkie” tenham, em parte, sucumbido diante do repertório mais conhecido de Marina, a disparidade foi diluída pela direção de Candé Salles e pela força do conjunto da obra. A plateia, inicialmente mais fria com as novidades, reagiu calorosamente aos sucessos que marcaram gerações. Surpresas e Releituras que Encantam A maestria de Marina Lima ao conduzir a banda, formada por músicos experientes, resultou em arranjos que mesclaram passado e presente de forma brilhante. A artista demonstrou uma autoridade que a faz parecer dona de canções alheias, como “À francesa” (Claudio Zoli e Antonio Cicero) e “Pessoa” (Dalto e Claudio Rabello), que ela reinterpretou com personalidade. O show presenteou o público com surpresas como a irresistível “Quem sabe isso quer dizer amor” (Lô Borges e Marcio Borges), inédita na voz de Marina, e um contagiante funk de Lulu Santos, “Condição” (1986). A conexão sagaz entre “Condição” e “Criança” (1991), composição da própria Marina, evidenciou a inteligência de seu roteiro. Um Bis Catártico e Homenagem a Alvin L Para a alegria dos fãs, o bis foi um momento catártico, com a sequência de hits “Nada por mim” (Herbert Vianna e Paula Toller), “Nem luxo nem lixo” (Rita Lee e Antonio Cicero) e “Uma noite e 1/2” (Renato Rocket). O encerramento, em anticlímax, foi com a emocionante balada “Não sei

Anitta Ousa em ‘Equilibrium’: Uma Jornada Espiritual que Conquista o Mundo com o Coração Brasileiro A cantora Anitta demonstra uma faceta inédita em seu mais recente álbum, ‘Equilibrium’, lançado em 16 de abril. O trabalho, que totaliza 15 faixas e 43 minutos, marca uma profunda imersão em suas raízes brasileiras e na espiritualidade afro-brasileira, sem deixar de lado a energia do funk que a consagrou. Surpreendentemente, ‘Equilibrium’ alcançou o topo do Spotify Global, provando que a autenticidade e a ousadia artística ressoam internacionalmente. O álbum se distancia da fórmula pop mainstream, apresentando uma fusão rica de ritmos nacionais e referências culturais profundas. Este mergulho espiritual e cultural representa uma ruptura significativa na discografia da artista, que em seu último álbum internacional, ‘Funk Generation’ (2024), revisitou o batidão carioca com uma roupagem pop global. ‘Equilibrium’, contudo, é um convite para conhecer um Brasil mais íntimo e místico, conforme divulgado pela fonte do conteúdo. A Bahia Pulsa em ‘Equilibrium’ A influência da Bahia, berço da espiritualidade afro-brasileira, é palpável em ‘Equilibrium’. Faixas como ‘Bemba’, que conta com a participação de Magary Lord e Samir Trindade, e a versão em espanhol de ‘Várias Queixas’, sucesso do Olodum, demonstram essa conexão profunda. A canção ‘Nanã’, por exemplo, reverencia o canto ancestral dos Tincoãs, misturando funk com a participação de Rincon Sapiência e King Saints. O Funk se Transforma com Referências Espirituais Mesmo as faixas de funk, como ‘Meia Noite’ e ‘Nanã’, estão impregnadas de elementos da Umbanda e de atabaques. ‘Meia Noite’, em colaboração com o trio Los Brasileros, evoca a energia da Pomba Gira, entidade espiritual que já aparece na primeira música do disco, ‘Desgraça’, um samba de batida lo-fi. Essa fusão inusitada mostra a capacidade de Anitta de reinventar o funk, adicionando camadas de significado e espiritualidade. Colaborações que Celebram a Diversidade Brasileira O álbum é marcado por diversas colaborações que celebram a riqueza musical e cultural do Brasil. A presença de artistas como Liniker em ‘Caminhador’, Marina Sena em ‘Mandinga’ (que sampleia ‘Canto de Ossanha’) e Melly em ‘Ternura’ reforça a energia feminina e a diversidade sonora de ‘Equilibrium’. A participação de Shakira em ‘Choka Choka’, um funk bilíngue, destaca a celebração das caboclas da cultura indígena brasileira. Uma Odisseia Sonora Corajosa e Honesta Apesar de um possível excesso de participações especiais e de algumas faixas soarem dispensáveis, como ‘Pinterest’, ‘Equilibrium’ se firma como um disco corajoso e honesto. Anitta não renega o funk, com músicas como ‘Vai dar Caô’, que poderiam integrar qualquer álbum anterior. A faixa final, ‘Ouro’, um mantra de cinco minutos com o duo Emanazul, encerra o álbum pregando o equilíbrio buscado pela artista no dia a dia, confirmando a sintonia do trabalho com seu momento pessoal e a busca por um “ouro” mais valioso que o do mercado.

Mundo da Música Lamenta a Perda de Nedra Talley Ross, Membro Fundadora das Ronettes É com profunda tristeza que o mundo da música se despede de Nedra Talley Ross, a última integrante original do icônico grupo vocal The Ronettes. Aos 80 anos, Nedra nos deixa, mas seu legado musical permanece vivo. A notícia de seu falecimento foi compartilhada neste domingo (26) através das redes sociais oficiais do grupo. A publicação destacou a importância de Nedra para a identidade das Ronettes, ressaltando sua voz e estilo inconfundíveis. O anúncio oficial emocionou fãs e artistas, que relembram a contribuição inestimável de Nedra Talley Ross para a evolução do som que definiu uma geração e influenciou inúmeros artistas posteriores, conforme divulgado nas plataformas do grupo. A Trajetória das Ronettes e o Papel de Nedra Talley Ross O grupo The Ronettes foi formado em 1957, uma época de efervescência para a música pop. As fundadoras foram as irmãs Ronnie Spector e Estelle Bennett, acompanhadas por sua prima, Nedra Talley, que mais tarde se tornaria Nedra Talley Ross. Desde o início, a harmonia vocal e a presença de palco das Ronettes cativaram o público. Nedra Talley Ross, com sua voz única e carisma, foi peça fundamental para a consolidação do grupo no cenário musical. A influência do trio transcendeu as paradas de sucesso, moldando a moda e a atitude da juventude da época. A contribuição de Nedra para esse fenômeno cultural é inegável, com sua participação ativa em todos os grandes sucessos das Ronettes. Um Legado Musical que Ecoará para Sempre A publicação que anunciou o falecimento de Nedra Talley Ross fez questão de enaltecer seu impacto. “A voz, o estilo e o espírito de Nedra ajudaram a definir um som que mudaria a música”, afirma o comunicado. “Sua contribuição para a história do grupo e sua influência marcante viverão para sempre”, complementa o texto, reforçando a importância de Nedra Talley Ross para a posteridade musical. A causa oficial de sua morte não foi divulgada. Reconhecimento e Memória Fãs e colegas de profissão lamentam a perda de Nedra Talley Ross, lembrando-a como “uma luz para todos que a conheciam e amavam”. A memória de seu talento e sua dedicação à música serão eternizadas. As Ronettes deixaram um marco na história da música, e Nedra Talley Ross é parte essencial dessa narrativa. Seu legado continua a inspirar novas gerações de artistas e a encantar ouvintes ao redor do mundo.

Moacyr Luz e Gabriel Moura unem talentos no vibrante álbum ‘Moa + Moura’ O samba, ritmo que pulsa forte no coração de muitos brasileiros, é o fio condutor do novo álbum colaborativo entre Moacyr Luz e Gabriel Moura. Intitulado ‘Moa + Moura’, o trabalho celebra a essência da música brasileira através de oito faixas gravadas ao vivo. O disco, que já está disponível para os fãs, é uma ode à brasilidade, apresentando uma mistura de canções inéditas e releituras de obras já conhecidas dos artistas. A gravação aconteceu no Estúdio Central, no Rio de Janeiro, com a participação marcante das vozes e dos violões de Moacyr e Gabriel. Um dos destaques é a faixa de abertura, “Atravessado”, um samba de autoria de Moacyr Luz, Fred Camacho e Pretinho da Serrinha. A música introduz uma sonoridade peculiar, com percussão criada por Rodrigo Pirituba a partir de toca-fitas, conforme divulgado pelos próprios artistas. Um lançamento com significado especial Produzido por Gabriel Moura e Moacyr Luz, com a colaboração de Rico Manzano, ‘Moa + Moura’ foi lançado na última quinta-feira, 23 de abril. A data não foi escolhida por acaso, pois coincide com o dia de São Jorge e o aniversário de nascimento de Pixinguinha, um dos maiores nomes da música brasileira. Repertório que exalta a diversidade musical O repertório do álbum transborda a riqueza da música brasileira. Além de “Atravessado”, o disco apresenta pérolas como o samba “Brasis”, parceria de Moacyr Luz, Gabriel Moura e Jovi Joviniano. Há também o xote “Chamego”, de Gabriel Moura e Gabriel Rossi, mostrando a versatilidade dos artistas. Mais canções que encantam os ouvidos Outras composições que compõem ‘Moa + Moura’ incluem “Chora Brasil”, assinada por Moacyr Luz, Gabriel Moura e Pierre Aderne, e “Fala Brasil”, colaboração de Gabriel Moura e Tata Spalla. O álbum ainda traz “Luaê”, composição solo de Gabriel Moura, “Mariazinha”, de Moacyr Luz e Sereno, e “Banzo”, também de Gabriel Moura. A cadência da brasilidade em cada nota A proposta do álbum é clara: celebrar a cultura e a musicalidade brasileira em sua forma mais pura. A união de Moacyr Luz e Gabriel Moura resulta em um trabalho que transita com maestria entre diferentes ritmos, sempre mantendo a cadência e a alma da brasilidade. A sonoridade ao vivo traz uma intimidade especial às canções.

‘Michael’: A Cinebiografia Que Celebra a Música do Rei do Pop com Cenas Memoráveis A cinebiografia ‘Michael’, que narra a vida do icônico Michael Jackson, tem dividido opiniões, recebendo críticas negativas de um lado e aclamação dos fãs do outro. Contudo, um ponto de consenso entre todos é a força dos momentos musicais apresentados no longa. Com mais de duas horas de duração, o filme, dirigido por Antoine Fuqua, utiliza a rica trajetória musical de Michael Jackson, interpretado por seu sobrinho Jaafar Jackson, como fio condutor para prender a atenção do público. A obra se concentra em recriar performances e gravações marcantes. A narrativa abrange desde o início do Jackson 5, grupo formado por Michael e seus irmãos, até o lançamento da turnê “Bad” no final dos anos 1980. A cinebiografia prioriza os momentos artísticos, deixando em segundo plano aspectos da vida pessoal do Rei do Pop fora dos palcos. Conforme divulgado pelo g1, esses são os principais destaques musicais do filme ‘Michael’. A Magia da Infância e o Nascimento de um Ídolo no Jackson 5 A infância de Michael Jackson e sua participação no Jackson 5, embora apresentadas de forma acelerada, possuem um valor sentimental imenso. Além de momentos na TV com clássicos como “ABC” e “I’ll Be There”, a gravação de “I Want You Back” se destaca de forma especial. Na cena, o jovem Michael, interpretado por Juliano Valdi, está nos estúdios da Motown. Sob o olhar atento do produtor Berry Gordy, vivido por Larenz Tate, o pequeno artista demonstra uma capacidade vocal impressionante, apesar de não parar de se mexer, deixando todos os presentes maravilhados com seu talento. O Início de uma Lenda: A Gravação de “Don’t Stop ‘Til You Get Enough” Já adulto, o filme retrata Michael Jackson se preparando para lançar seu quinto álbum solo, o primeiro em colaboração com o renomado produtor Quincy Jones. A atmosfera é de concentração e expectativa no estúdio. Em um momento de introspecção, Michael pede para Quincy diminuir as luzes, fecha os olhos e se concentra em frases positivas antes de iniciar a gravação de “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”. Esta faixa, que abre o álbum, foi crucial para impulsionar a carreira do artista a um novo patamar de sucesso. Enquanto a música embala a cena, o filme exibe imagens da sequência de premiações e da gravação do videoclipe do single. Para muitos espectadores, especialmente aqueles que acompanharam programas como “Video Show”, a canção evoca fortes emoções. A Construção de um Clássico: O Videoclipe de “Thriller” Ao conceber o que se tornaria o álbum mais vendido da história da música, Michael Jackson tinha a visão clara de criar “mini-filmes” para as canções de “Thriller”, com ênfase especial na faixa-título. O videoclipe de “Thriller”, um verdadeiro curta de terror, transcendeu a música para se tornar um ícone audiovisual. O diretor Antoine Fuqua acerta ao mostrar o **detalhismo de Michael Jackson** durante as filmagens, sua interferência nas tomadas e outros pormenores da produção. Este momento é particularmente impactante, pois a

Diablo 4: Lord of Hatred eleva o padrão com expansão que une história e jogabilidade para todos os públicos A segunda expansão de Diablo 4, intitulada “Lord of Hatred”, foi lançada nesta segunda-feira (27) às 20h no Brasil, prometendo ser um marco para o RPG de ação. A expectativa é alta, pois a expansão não só fecha com chave de ouro a narrativa iniciada no jogo base, mas também introduz **novidades significativas que agradam tanto novos jogadores quanto os veteranos mais experientes**. Com a promessa de simplificar o básico e expandir as opções de customização e progressão, “Lord of Hatred” se apresenta como um ponto de entrada ideal para quem ainda não se aventurou em Santuário. Ao mesmo tempo, oferece profundidade para aqueles que buscam maior controle sobre seus personagens e estratégias de combate. O grande destaque, conforme aponta o g1, é a forma como a expansão consegue **concluir a saga de forma grandiosa e satisfatória**, amarrando todas as pontas soltas e fazendo com que o jogo base e suas atualizações pareçam uma única aventura épica. Essa integração, no entanto, vem com um custo, especialmente para quem adquiriu os capítulos separadamente, totalizando um valor considerável para a experiência completa. Um Novo Começo e um Fim Grandioso para a História “Lord of Hatred” se destaca por trazer um **desfecho memorável para a história de Diablo 4**, culminando no confronto contra Mefisto, um dos principais vilões da série. A campanha principal entrelaça a trama original com despedidas emocionantes e o retorno de personagens importantes, oferecendo uma conclusão equilibrada para a batalha entre o Senhor do Ódio e sua filha, Lilith. Essa narrativa coesa foi um planejamento a longo prazo dos desenvolvedores. A nova região de Skovos, um arquipélago inspirado na Grécia, traz um clima ensolarado incomum para a franquia, enriquecendo a experiência visual. Embora o foco na nova área seja um ponto de atenção, o enredo principal é mais do que suficiente para cativar os jogadores que priorizam a jornada narrativa, mesmo sem um grande interesse no conteúdo pós-créditos. Reformulação da Jogabilidade: Acessibilidade e Profundidade A expansão reinventa a **árvore de habilidades de Diablo 4**, removendo as habilidades passivas e focando diretamente nos golpes. Essa mudança visa facilitar a visualização e a experimentação de diferentes “builds” (conjuntos de poderes) para jogadores menos familiarizados com a complexidade dos RPGs de ação. A simplificação torna a progressão mais direta e menos intimidadora. Apesar de incentivar variações, o novo sistema de habilidades introduz **limitações por níveis que podem gerar gargalos frustrantes**. Por exemplo, a transformação de um poder de sombras em um golpe de fogo pode depender do alcance de um nível específico, exigindo investimento em habilidades básicas mesmo quando outras opções mais interessantes estariam disponíveis. Novas Classes e Sistemas que Enriquecem o Endgame As novas classes, **Paladino e Bruxo**, são as adições mais comentadas de “Lord of Hatred”. O Paladino, que já estava disponível desde dezembro de 2025 para quem adquiriu a expansão antecipadamente, utiliza poderes divinos com agilidade surpreendente, mesmo com sua armadura

Aline Paes e Pedro Franco celebram 60 anos de “Os Afro-Sambas” com show vibrante no Rio de Janeiro A cantora Aline Paes e o violonista Pedro Franco encantaram o público carioca na noite de ontem, 24 de abril, com um show emocionante em celebração aos 60 anos do icônico álbum “Os Afro-Sambas de Baden e Vinicius”. A apresentação, realizada no Acaso Cultural, reverenciou a obra fundamental de Baden Powell e Vinicius de Moraes, trazendo à tona a força e a beleza da música afro-brasileira. O espetáculo, que já teve sua estreia em janeiro no Blue Note Rio, destacou a sintonia e o talento da dupla ao abordar o repertório denso e poético do disco de 1966. Com arranjos que respeitam a essência das composições originais, mas que também permitem a liberdade criativa dos artistas, Aline e Pedro conduziram o público por uma viagem sonora repleta de sentimento e maestria. A performance de Aline Paes impressionou pela sua versatilidade vocal e segurança. Em um momento particularmente marcante, a cantora utilizou um pedal para criar uma base rítmica e, sobre ela, soltou sua voz em “Lamento de Exu”, demonstrando sua habilidade em transitar entre a melodia e a percussão vocal. Essa capacidade de inovação, aliada ao respeito pelas tradições da MPB, posiciona Aline como uma artista independente de grande relevância no cenário musical brasileiro. Pedro Franco, por sua vez, demonstrou a exuberância de seu violão, com um toque percussivo que enriqueceu cada canção. O músico, conhecido por parcerias com grandes nomes da música brasileira, como Maria Bethânia e Zélia Duncan, mostrou sua profunda conexão com o universo dos afro-sambas e sua admiração por Baden Powell, a quem homenageou com o samba “Black Powell” durante um solo emocionante. Um mergulho na alma dos Afro-Sambas Desde o “Canto de Iemanjá”, que abriu o show evocando a rainha das águas com a maestria de Dulce Nunes no disco original, a dupla mergulhou em clássicos como “Bocochê” e “Tempo de amor”. A abordagem de Aline e Pedro não buscou a mera reprodução das gravações de 1966, mas sim uma recriação que capturasse a essência e o espírito das canções, com seriedade e profundo respeito pela herança afro-brasileira. Repertório expandido e homenagens emocionadas Além das faixas do álbum “Os Afro-Sambas”, o show incluiu pérolas como “Consolação” e “Labareda”, ambas de Baden Powell e Vinicius de Moraes. A dupla também prestou uma emocionante homenagem ao maestro Moacir Santos, celebrando seu centenário com a interpretação de “Oduduá”, uma composição que, assim como os afro-sambas, é um tesouro da música brasileira. “Berimbau” encerra a noite com chave de ouro O encerramento ficou a cargo de “Berimbau”, um standard de Baden Powell e Vinicius de Moraes, guardado para o bis. A força dessa composição, que embora não estivesse no disco de 1966, dialoga perfeitamente com o universo dos afro-sambas, selou com chave de ouro uma noite que celebrou a atemporalidade e a riqueza de um dos álbuns mais importantes da discografia nacional. O show de Aline Paes e Pedro Franco não

Alice Caymmi resgata “Canto de Obá”, obra rara de Dorival Caymmi e Jorge Amado, em novo álbum dedicado ao avô. Alice Caymmi celebra o legado musical de seu avô, Dorival Caymmi, em seu novo álbum, intitulado simplesmente “Caymmi”. O disco, que será lançado na quinta-feira, 30 de abril, data que marca o 112º aniversário de nascimento do compositor, traz uma seleção especial de 12 canções que atravessam a rica obra de Dorival. A grande surpresa do repertório é a inclusão de “Canto de Obá”, uma composição de 1947 que nasceu da profunda parceria entre Dorival Caymmi e o renomado escritor Jorge Amado. A música, em forma de oração, pede proteção ao orixá Xangô para toda a família, e agora ganha uma nova interpretação pela voz de Alice, trazendo a força ancestral para o século XXI. Esta releitura de “Canto de Obá” é um dos destaques do álbum “Caymmi”, que Alice Caymmi buscou modernizar, incorporando elementos de rap, reggae, salsa e batidas eletrônicas. A iniciativa da cantora carioca visa aproximar o cancioneiro de Dorival Caymmi de novas gerações, mostrando a atemporalidade de suas composições. As informações são da fonte divulgada sobre o lançamento do álbum. A Origem de “Canto de Obá”: Uma Prece Familiar entre Caymmi e Jorge Amado A parceria musical entre Dorival Caymmi e Jorge Amado, que floresceu na década de 1940, resultou em “Canto de Obá” em 1947. A canção é uma invocação ao orixá Xangô, pedindo proteção para a família Caymmi, incluindo menções a Stella Caymmi, mãe de Dori, Nana e Danilo. Dorival gravou a música em seu álbum “Caymmi”, lançado em 1972, e naquele mesmo ano, o Quarteto em Cy também registrou a canção, com a participação do próprio Dorival. Alice Caymmi: Trazendo o Legado do Avô para o Universo Contemporâneo No novo álbum, Alice Caymmi selecionou cuidadosamente 12 faixas de Dorival Caymmi, incluindo sucessos como “O que é que a baiana tem?”, “Acalanto” e “Maracangalha”. A produção musical ficou a cargo de Iuri Rio Branco, que contribuiu para a sonoridade moderna do disco, gravado no estúdio DaLuz, em São Paulo. A intenção de Alice é clara: “trazer o cancioneiro de Dorival para o universo musical do século XXI”. O Repertório de “Caymmi”: Uma Viagem pela Obra do Mestre O álbum “Caymmi” apresenta uma seleção diversificada de canções do avô da artista, mostrando diferentes fases de sua carreira. Além de “Canto de Obá”, o disco conta com: “O que é que a baiana tem?” (1939) “Acalanto” (1957) “Canção da partida” (1957) “Maracangalha” (1956) “Dora” (1945) “Dois de fevereiro” (1957) “Adeus” (1948) “Eu não tenho onde morar” (1960) “Morena do mar” (1967) “Promessa de pescador” (1939) A escolha de Alice Caymmi reflete um profundo respeito e amor pela obra de Dorival, ao mesmo tempo em que demonstra sua ousadia em reinterpretar clássicos com uma perspectiva contemporânea. A iniciativa promete agradar tanto aos fãs de longa data de Dorival Caymmi quanto a um novo público que descobrirá a magia de suas canções através da voz de Alice.

Yoko Ono tenta impedir uso do nome L7nnon, mas Justiça mantém decisão a favor do rapper brasileiro. A viúva de John Lennon, Yoko Ono, entrou com uma ação judicial buscando impedir o rapper carioca L7nnon de usar seu nome artístico. A alegação era de que haveria uma associação mercadológica entre o artista brasileiro e o saudoso cantor inglês, membro dos Beatles. Felizmente, o bom senso prevaleceu, e a Justiça brasileira deu ganho de causa a L7nnon. A decisão, que foi comemorada pelo rapper, baseou-se na lógica de que não existe uma ligação real entre as marcas dos dois artistas. O Tribunal Regional Federal da 2ª Região (TRF2) entendeu que a coexistência pacífica das marcas é possível, pois não há confusão no mercado. A notícia, divulgada inicialmente pela editoria Pop & Arte do g1, causou surpresa, mas a resolução judicial reforça a individualidade de cada artista. A ação movida por Yoko Ono carecia de fundamento, e espera-se que a artista desista de recorrer da decisão. A diferença entre os universos musicais é clara O rapper, cujo nome de batismo é Lennon dos Santos Barbosa Frassetti, adota o nome artístico L7nnon, com um ‘7’ no lugar do ‘t’. Essa pequena alteração, somada à **distância abissal entre os universos musicais** de ambos os artistas, torna a confusão praticamente impossível. Enquanto John Lennon marcou a história da música com os Beatles nos anos 70, L7nnon trilha seu caminho no rap contemporâneo. Sobrenome Lennon: uma história que antecede o Beatle É importante ressaltar que o sobrenome Lennon tem origem irlandesa e já existia muito antes de John Lennon se tornar uma estrela mundial. Embora o cantor tenha popularizado o nome globalmente a partir de 1962, a **existência do sobrenome não se restringe a ele**. A ação judicial, portanto, não encontra respaldo histórico ou legal sólido para sustentar a alegação de exclusividade. Justiça garante o bom senso e a coexistência das marcas A 2ª Turma do TRF2 determinou que “deve prevalecer a solução que permite a coexistência pacífica das marcas, fundamentada na ausência de confusão real no mercado”. Essa decisão **protege o trabalho e a identidade artística de L7nnon**, reconhecendo que o público não seria induzido ao erro. A medida demonstra que a Justiça brasileira está atenta às particularidades do mercado artístico e à **originalidade de cada criador**. Futuro da ação e a esperança pelo fim do embate Apesar de Yoko Ono ainda ter a possibilidade de recorrer da decisão, a expectativa é que a artista **reflita sobre a falta de fundamento da ação** e desista de prosseguir com o embate judicial. O prejuízo que L7nnon poderia causar aos herdeiros de John Lennon é praticamente inexistente, dado o contexto e a **separação clara entre suas carreiras e públicos**.